L’artista che non c’è

MANIFESTO

“chi ha resistito, gli è fiorito il cuore”Edoardo Sanguineti

Idea per un manifesto

 L’artista che non c’è

di Fausto Olmelli, scritto con Matteo Martone

Oggi ho acceso il computer e ho letto questa notizia: Miracoli del web. È boom di richieste per il libro che non c’è. John Green, trentenne americano, migliaia di amici virtuali tra blog, twitter, youtube, facebook, si è trovato in vetta alle vendite di Amazon, la libreria virtuale più grande del mondo, con un libro mai scritto, solo per aver annunciato ai suoi fan che avrebbe firmato tutte le copie che loro avrebbero ordinato sul web.

Questa è la conferma del fatto che l’oggetto d’arte è drammaticamente passato al secondo posto rispetto al suo culto. Che l’artista, l’opera, il libro, il film, sono parole vuote, che si riferiscono a persone e non a oggetti fatti colore, pellicola, recitazione, drammaturgia; scrivere, scolpire, dipingere, partorire con fatica un’idea, sono operazioni che appartengono al passato, oggi non si fa più. Oggi l’artista è quello capace di far parlare di sé anche se lui stesso non sa parlare.

Siamo istupiditi da film, libri, opere d’arte che non hanno niente da dire e valgono solo per chi, come, dove, le presenta. Il pubblico tace, osserva distratto e non immagina che l’arte è intelligenza e civiltà, talento e cultura. I film girati male, i libri non scritti, le idee non partorite con fatica, che vediamo nei nostri cinema, gallerie, librerie, non sono innocue ma ci riportano indietro. Ci abbassano. Addormentano il senso critico, le idee, la nostra dignità. Ci disabituano a ricevere dall’arte messaggi e significati.

Le opere d’arte potenti, un tempo, erano il fine. Generavano culto e questo, denaro. Tanto denaro. Oggi il denaro è il fine. La catena si è invertita: il fine è il culto, che porta il denaro, solo dopo, infine, c’è l’opera, che diventa solo un pretesto.

Dobbiamo capire. Dobbiamo rimettere l’opera al primo posto; il parto difficile di un’idea. Dobbiamo ricominciare daccapo. Dall’incipit. Dal luogo, dal momento, della costruzione dell’opera. Vogliamo esplorare, in una serie di incontri che abbiamo chiamato “esperimenti”, le radici dell’ispirazione dell’artista, ovvero i fondamenti della sua opera.

L’artista per definizione è “scomodo”, crea scandalo, fa pensare, mette in crisi, ha le antenne, elabora, decodifica e crea, sempre individualmente. In questo caso un gruppo di artisti si unisce in un progetto unitario pur conservando la propria individualità. Queste personalità diverse sono ­monadi, legate insieme dal bisogno di esprimere la propria arte in un progetto che li rappresenti, e il loro progettare è “scandaloso” proprio perché in contrapposizione all’arte frettolosa, estemporanea, cruda e mangiata dei nostri giorni.

Cercheremo di capire cosa si sta muovendo nel nostro presente attraverso il filtro dell’artista; ciò che lui capta e che restituisce al pubblico. Non è sempre stata questa la funzione dell’arte? Vogliamo rintracciare un’arte del fare, una fucina di oggetti, non l’artista produttore di mode e motti e tendenze inconsistenti. L’arte è agire, è l’homo faber, è gesto, è intelletto. Oggetti e idee calati nel presente che nascono dagli oggetti e dalle idee del passato.

I turned the computer on today and read this story: Miracle on the Web: Overwhelming Demand for a Non-Existing Book. John Green, a thirty year old American with thousands of virtual friends on various blogs, twitter, YouTube, and Face book made it to the top of the sales list on Amazon, the biggest virtual bookstore in the world, with a book that had yet to be written, all because he told his fans that he would autograph any copy they ordered from Amazon.

This example illustrates that the artistic object has taken a dramatic second place to a virtual phenomenon, in this case, a book yet to be written. Artist, work, book, film have become empty words that refer to people and not to objects—whether in film, acting, drama, writing, sculpting or painting—and, instead, painfully giving birth to an idea and such processes belong to the past and are, therefore, less relevant. Today the artist is he who is able to make himself spoken of, even if he has nothing to say.

As a result, we are dazed by meaningless films, books and works of art that seemingly have value only for those who present them, right then and there. In the end the general public says nothing, watches on distractedly and forgets that art is an expression of intelligence, civilisation, talent and culture. While poorly made films, badly written books and senseless art are not, per say, harmless they do degrade us and numb our critical senses, our ideas and our dignity. We hence forget that art transmits messages and meanings.

Powerful works of art were once the objective. They generated a loyal following and large sums of money. Today, the objective is to have a loyal following and hence to make as much money as possible regardless of the quality of the work of art, which becomes merely a pretext.

It is imperative that we reverse this trend in order to appreciate art, to better understand how an idea is conceived and, more importantly, to explore the roots of the artist’s inspiration.

An artist by definition is troublesome, scandalous, thought-provoking, perceptive. He/she depicts reality according to his/her own individual perception. In this project a group of artists comes together while maintaining their own individuality. These artists are joined by a need to express themselves. This project is provocative because it defies the current trend of hasty and superficial art.
In this series of “experimental” gatherings, we will try to understand the currents of our time through the artists’ filter; what he/she taps into and, in turn, gives back to the audience. Hasn’t that always been the function of art?  We will track down the art of “making”, a “techne”, a breeding ground of objects as opposed to the artist who produces inconsistent fads, sayings and trends. Art is action, motion and thought. It’s the homo faber.  Objects and ideas cast into the present, born from the objects and the ideas of the past.

Aujourd’hui, allumant l’ordinateur, j’y ai lu cette info : Miracle du web. Boom de demandes pour le livre qui n’existe pas. John Green, trentenaire américain, des milliers d’amis virtuels entre blog, twitter, youtube, facebook s’est retrouvé en tête des ventes sur Amazon, la plus grande librairie virtuelle du monde avec un livre jamais écrit, seulement pour avoir annoncé à ses fans qu’il aurait dédicacé chaque exemplaire commandé sur le web.

Cela confirme que l’objet d’art est dramatiquement passé au second plan derrière son culte ; que l’artiste, l’œuvre, le livre, le film soient des paroles vides faisant référence aux personnes et non aux objets faits de couleur, de pellicule, de récitation, de dramaturgie. Ecrire, sculpter, peindre, accoucher avec fatigue d’une idée appartiennent au passé, aujourd’hui  çà ne se fait plus. A ce jour, l’artiste est celui qui sait faire parler de lui, même si lui en est incapable.

Nous sommes abrutis de film, livres, œuvres d’art qui n’ont rien à dire et valent seulement pour qui, comment et où sont présentés. Le public se tait, observe distraitement et n’imagine pas que l’art est intelligence et civilité, talent et culture. Les films mal tournés, les livres non écrits, les idées non exprimées avec effort, que nous voyons dans nos cinémas, nos galeries, nos librairies, ne sont pas inoffensifs mais nous renvoient en arrière. Ils nous avilissent. Ils endorment notre sens critique, nos idées, notre dignité.

Un temps, les œuvres d’art étaient puissantes. Elles produisaient l’admiration qui amenait à l’argent, beaucoup d’argent. Aujourd’hui, la chaine s’est inversée : l’argent est l’intention première et seulement après, en dernier, il y a l’œuvre devenu prétexte.

Nous devons comprendre. Nous devons remettre l’œuvre d’art au premier plan : l’accouchement difficile d’une idée. Nous devons recommencer au début, de l’origine, du lieu et du moment de la création de l’œuvre. Nous voulons explorer, dans une série de rencontres « essai », les racines de l’inspiration de l’artiste ou encore les fondations de son œuvre.

 

L’artiste par définition est inconfortable, il fait du scandale, il donne à penser, il jete le trouble, il a des antennes, il élabore, il décode et crée, toujour individuellement. Ici un groupe d’artistes s’unissent pour un projet unitarie, pourtant en gardant ses individualité. Ces personnalités différents sont monades lient ensemble pour le besoin de s’exprimer artistiquement dans un projet que les représente; le leur projeter est scandaleux parce-que il est en opposition avec l’art pressé, improvisé de nos jours.
Nous chercherons à comprendre ce qui est en train de changer dans notre présent au travers du filtre intellectuel de l’artiste ; ce qu’il capte et transmet au public. N’est ce pas cela la fonction de l’art? Nous voulons retrouver un art du faire, une « téchne », une fabrique d’objets et non l’artiste producteur de modes et tendances inconsistantes. L’art est agir, est l’homo faber, est geste, est intellect. Objets et idées interprétant le présent qui naissent du passé.  

L’artista che non c’è, esperimenti d’arte

“L’artista che non c’è, esperimenti d’arte” è un progetto artistico di Fausto Olmelli articolato in eventi/esperimenti. La parola “esperimenti” vuole indicare un ritorno a un’arte del fare, frutto della fatica intellettuale e manuale dell’artista. Il progetto è corredato da un’idea di manifesto dal titolo: L’artista che non c’è.

Gli esperimenti sono preceduti sempre da una presentazione sul significato dell’intero progetto. Gli esperimenti sono intercambiabili e adattabili alla struttura ospitante:

In questo esperimento dei professionisti, che utilizzano al meglio un “saper fare”, si sperimentano realizzando delle opere a partire da un’idea di “scatola”, un modello costruttivo applicato a una scatola brevettato da Giuseppe Masci come “invenzione industriale”. Ogni artista presenta un testo sul proprio “incipit” letto da Claudia Lorenzetti. Un artigiano e arredatore d’interni, Giuseppe Uccello; un architetto, Alessandra Deiana; un fotografo, Antonio Calabrese; uno scultore Pier Luigi Robiati; un designer/pittore, ancora Giuseppe Masci; ricreano e riempiono, ognuno nel suo campo, uno spazio, al servizio di un ipotetico committente. Uno scrittore, Matteo Martone, commenta, spiega, inventa con le parole una storia che abiti gli spazi disegnati dagli altri. All’interno una installazione/omaggio a Joseph Beuys. Per finire un pezzo musicale del maestro Riccardo Santoboni interpretato dal danzatore Marco Ubaldi;

Con questo esperimento si affronta il tema dell’improvvisazione. Un concerto pianistico ci fa esplorare il passaggio da un’interpretazione classica, accademica, in questo caso di compositori del primo Novecento, a un’improvvisazione pianistica. Non c’è improvvisazione senza professionalità, conoscenza, studio: l’atto creativo non esiste senza queste radici. In questo esperimento cogliamo l’incipit, l’inizio dell’ispirazione dell’artista. Qui la vicenda autobiografica del pianista Giovanni Maria Varisco ci aiuta a seguire il suo percorso artistico. Il pianista ha subito infatti un gravissimo incidente che lo ha costretto ad anni di cure e interventi chirurgici che hanno modificato il suo corpo;

La parola nella sua funzione di fondamento, attraverso un poeta e un luogo. Incontro con il poeta Alfredo Sorani. Verrà anche mostrato il video “104 righe per la Magliana”: parole di Alfredo Sorani e regia di Matteo Martone. Qui le parole e la vista del poeta ci svelano un quartiere romano. Ne vedremo così lo scheletro, ne sentiremo il sudore e la fatica, attraverso i suoi versi e il corto di Matteo Martone. Presente anche una mostra fotografica dal titolo “Magliana 2012”;

Un fotografo e delle fotografie costruite come quadri, visioni poetiche, in un tempo e in un luogo sospesi, immagini misteriose ed evocative. Mostra fotografica di Aldo Sardoni. L’aspetto intimistico delle immagini dialoga con un laboratorio di arteterapia di Carlo Coppelli. Si supererà così la semplice osservazione di un elaborato artistico e il soddisfacimento di un piacere personale, o l’accrescimento del proprio profilo culturale che esso porta, stimolando altresì la capacità di osservarsi attraverso il rispecchiamento con l’opera. In via di definizione.

Esperimento/omaggio a Joseph Beuys. La serata inizierà con dei contributi filmati: una serie di interviste agli studenti dell’Accademia di Belle Arti su Joseph Beuys e un video: “Slides” che inserisce Beuys all’interno di un percorso dall’arte moderna all’arte concettuale. Quindi degli interventi pittorici accompagnati da degli scritti letti da qualcun altro e non dall’artista stesso: un quadro di Fausto Olmelli, uno di Diego Mazzoni e uno di Claudia Lorenzetti. Una performance nel “segno di Beuys” di Pier Luigi Robiati. Completeranno la serata uno scritto di Letizia Omodeo Salè insegnante e studiosa steineriana, un intervento musicale dei musicisti Claudio Riggio e Giovanni Maria Varisco, e, per finire, delle poesie di Alfredo Sorani lette da lui stesso.

Tributo a Yves Klein. In via di definizione.